Shohei Ochiai experimenta el diseño y la creatividad del artista de manga que creó "Ghost in the Shell" en la "Exposición Mundial Masamune Shirow".

Experimente el diseño y la creatividad del artista de manga que creó "Ghost in the Shell".

El mangaka Masamune Shirow ha producido obras importantes en la escena japonesa de ciencia ficción, incluyendo el estreno de Ghost in the Shell en 1989. Entre los años 80 y 90, retrató la alta tecnología, aún poco aceptada en la sociedad, y los problemas éticos y sociales que esta suscitaba, desde una perspectiva única. En los últimos años, sus obras, incluyendo las adaptadas al anime y al cine, han vuelto a atraer la atención tanto en Japón como en el extranjero, al estar profundamente vinculadas a la ciencia y la tecnología modernas, como la IA y los androides, y al estado de nuestra sociedad de la información.

Este año se celebra el 40.º aniversario del debut de Shirow Masamune en una revista comercial, y su primera gran exposición se celebra en el Museo Literario Setagaya de Tokio. Debido a la gran demanda, la exposición se trasladará a Shinsaibashi PARCO en Osaka a partir de septiembre. En esta ocasión, el pintor Ochiai Shohei, aficionado a Ghost in the Shell desde su época de estudiante, visitó la exposición. ¿Qué opinó Ochiai de esta rica exposición, que incluye más de 300 manuscritos analógicos y digitales de sus obras más importantes?

Las obras de Shirow son únicas, no solo en cuanto a su historia, sino también en cuanto a la originalidad de su obra. Estudié diseño de producto en la Universidad de Arte de Tama, y muchos estudiantes, incluyéndome a mí, admiraban a Shirow. Siento que su obra está conectada con el llamado "futuro futurista", el tipo de futuro que la gente del pasado habría imaginado, al igual que la obra de Naoto Fukasawa. Siento que en la forma en que se dibujan las líneas y el campo de visión de los encuadres, en los fondos, los mechas, la arquitectura, etc., percibo un "futuro que no existe en la realidad" y me siento profundamente atraído por él.

Lo que resulta particularmente distintivo es el uso de curvas y superficies en diversos lugares. Por ejemplo, las esquinas de las máquinas están redondeadas, los edificios se representan con curvas y la vista recuerda a la de un objetivo ojo de pez. Esto le da a la imagen un aire futurista y, en mi opinión, también contribuye a su originalidad y fuerza.

Según el editor de Shiro, Takeshi Katsurada, Shiro suele dibujar desde un ángulo bajo, con un gran angular tipo ojo de pez, en lugar de desde el punto de vista del personaje. Además, el amplio campo de visión creado por la composición aérea está repleto de información, lo que da como resultado dibujos extensos y detallados, y en cada viñeta coexisten dibujos dinámicos y una abrumadora densidad de información.

Al observar los manuscritos analógicos expuestos, me impactó la enorme cantidad de información de fondo. Cuando dibujo, soy de los que observan con atención y quieren expresar hasta el último detalle con minuciosidad, pero en el caso de Shiro, la cantidad de líneas que ha dibujado es increíble.

Cada línea tiene significado y es eficiente, y la presencia de esta le da un aspecto más realista y demuestra que no se sacrifican los pequeños detalles. Me fascinó la técnica que logra esto en cada viñeta del manga, a la vez que hace que la imagen parezca más grande y profunda en cada viñeta.

Personalmente, últimamente he estado intentando que mis pinturas parezcan más grandes, así que esto me inspiró mucho. Al ver la exposición, me di cuenta de que este tipo de habilidad meticulosa, lo que podría llamarse artesanía, es lo que sustenta la historia central de la obra.