El artista multimedia Daito Manabe y el pianista Big Yuki hablan sobre el futuro de la tecnología y el jazz.

Los músicos de jazz siempre han adoptado las nuevas tecnologías, desde Bitches Brew (1970) de Miles Davis, que introdujo instrumentos eléctricos, hasta Rockit (1983) de Herbie Hancock, que incluye sintetizadores y scratches impresionantes.

Para mí, el jazz es una música física que huele a sangre y sudor. Al mismo tiempo, los músicos siempre buscan ampliar el alcance de su expresión. Aun manteniendo su fisicalidad, sigo interesado en nuevas técnicas.

La velocidad de procesamiento de la tecnología de IA es cada vez mayor, y se dice que 2014 fue el primer año de IA en tiempo real. El procesamiento de IA, que antes tardaba aproximadamente un minuto, se redujo a menos de 0,1 segundos a finales del año pasado. Lo que probablemente cobrará mayor interés en el futuro es la predicción en tiempo real.

Por ejemplo, si hablo un poco, la IA seguirá hablando. O si YUKI reproduce una frase, la IA leerá con anticipación y reproducirá el resto. Sin embargo, si esto resultará en música interesante es otra cuestión por ahora.

De hecho, en 2022, actué con Neutone, un plugin de IA desarrollado por el ingeniero y músico Naoyuki Tokui. Cuando empecé a actuar en el escenario, la IA generó una pista a partir de los datos previamente y luego la improvisó con la actuación en vivo. El ritmo que tarareaba se transformó en uno increíble (risas). Simplemente pensé: «Nunca había escuchado música así».

"Neutone" es interesante porque puede convertir ritmos de batería en sonidos de piano.

A medida que las herramientas se vuelven más prácticas, creo que también se vuelven menos creativas. Si todos se centran demasiado en lo mismo, creo que el nivel de originalidad disminuirá.

Cuando se trata de complementos de computadora, a menudo digo cosas como "la generación anterior era mejor", al igual que con los instrumentos antiguos (risas).

La IA de generación de imágenes "Midjourney" se encuentra actualmente en su sexta generación, pero la segunda generación es más interesante. Cuanto más tecnológicos se encuentren los instrumentos en sus etapas iniciales, más música nueva podrán crear gracias a que los usuarios los usen de maneras inesperadas para sus creadores.

Ha habido incidentes similares en la evolución del hip-hop, que es una de las cosas que tenemos en común.

J Dilla, por ejemplo, usa un sampler estándar, pero sin funciones de corrección de ritmo; lo golpea como si tocara un instrumento de percusión, lo que resulta en un ritmo enredado que poco a poco se convirtió en un estándar. Cuando salió, pensé que era un ritmo extraño. Naturalmente, atrajo a los DJs, pero incluso los músicos de jazz imitan ese estilo de interpretación. Es un fenómeno interesante.

Los ritmos enredados y fluctuantes se percibían como un ritmo extraño pero refrescante, y los músicos que rodeaban a Dilla lo desarrollaron aún más, creando un nuevo vocabulario.

Académicos y críticos quedaron fascinados, así que lo analizaron. Es fascinante cómo puede sistematizarse académicamente y convertirse en una teoría en un abrir y cerrar de ojos.

Escuché el set eléctrico en solitario de YUKI. Creo que sería interesante incorporar el hip-hop como un contexto común.

Primero, definamos algunas reglas comunes: cómo incorporar la tecnología, la proporción de presentaciones en vivo, etc. Una vez definidas, es más probable que seguir la corriente resulte en accidentes afortunados.

Y también compartir un sentimiento. Cuando trabajaba con Nosaj Thing, por ejemplo, creo que el tiempo que pasábamos juntos escuchando discos y hablando era más importante.

¡Ya sé a qué te refieres! Cuando fui al estudio de Q-Tip, pasábamos tanto tiempo viendo películas y hablando como produciendo (risas).

Esta es una visita obligada para los fanáticos del hip-hop (risas).