2025年4月13日至10月13日舉行的大阪-關西世博會遺憾地關閉了帷幕，給許多遊客帶來了興奮和發現。在各國描繪未來藍圖的過程中，義大利館格外引人註目。其人氣是壓倒性的，抽選連日激戰。
如果你知道實際原因，那些輕視「你想要披薩或義大利面嗎?」的人應該感到驚訝。不僅是正宗的飲食文化，連平時很難接觸到的具有文藝復興精神的真正的藝術也展現出來。
展覽主題是“藝術再生生命 (L’Arte Rigenera la Vita) ”。以這一理唸為背景，義大利館匯集了米開朗基羅、卡拉瓦喬、達芬奇等人創作的義大利各地國寶級藝術品。烏菲齊美術館也陳列著令人羨慕的名品，梵蒂岡的特別出借作品也登場了。我身在大阪，卻有一段時間像是在佛羅倫薩和羅馬的美術館裡遊覽。
對於那些實際參觀過的人以及那些無法去過的人來說，這個展覽將作為一種難忘的藝術體驗而傳承下來。相反，從那裡開始的“未來”可能是真正的欣賞之旅。這次，從義大利館鑒賞的名作中，嚴格挑選5件進行介紹。我想通過作品尋找描繪未來的暗示。
多梅尼科·丁特列的《伊東曼肖的肖像畫》中描繪的對未來的目光
伊東曼秀。如果你只聽名字，你可能會認為它是一個年輕的藝人。然而，他是一個站在全球化原點的人，從16世紀的日本走向世界。他的身影在威尼斯畫家丁特列的工作室裡，作為肖像畫被永遠地刻了下來。
曼肖作為被選為九州天主教大名的年輕使節團“天正遣歐少年使節”的一員從長崎出發。在羅馬他拜謁了教皇，在歐洲各地受到熱烈歡迎。在旅途中，在威尼斯，他參觀了Yakopo·Tintlette的工作室，他在禮拜堂和公共建築中留下了許多壯麗的畫作，並由他的兒子Domenico繪制了他的肖像。
在異國他鄉，曼喬面對世界的不只是“看得見的日本人”，而是用自己的語言講述文化和信仰，嘗試對話的“會說話的日本人”。在沒有互聯網和電話的時代，年輕人在沒有生命保障的情況下越過大海，學習拉丁語，用同一種語言與信仰交談。他們試圖用言語面對陌生的世界，而不是被動。他的眼神中，蘊含著站在不同文化的十字路口，展望未來的意誌。
500年前年輕人與世界對話的姿態，也在向活在當下的我們發問。「你怎麽面對世界?」。
博喬尼的《空間中連續性的唯一形態》引領新世界的大門
義大利藝術家翁貝托·博喬尼在1913年制作的《空間中連續性的唯一形態》(Forme uniche della continuitànello spazio)。肌肉收緊和風切割的形式似乎捕捉到了一系列動作本身。即使它是靜止的，也可以看到運動。這是這項工作的魅力。
雕塑是一種自古以來就存在的藝術形式，但博喬尼將其與未來主義思想相結合，並將其推向了一個全新的表現領域。他試圖通過雕塑而不是繪畫來塑造現代主題，如速度，機械和城市能源。它旨在通過三維捕捉與時間，運動和空間的關係來可視化未來的感覺。這項工作也被用於義大利20美分硬幣，被廣泛稱為未來的象徵。
他試圖捕捉的未來感不僅僅是技術創新或理性。它是一種直觀的感知，尚未完全語言化，如充滿城市的活力，人體的節奏，與空間的關係，以及通過感性預感未來的力量。
這種感性觀點也導衹現代人工智慧，機械人和城市設計。例如，人工智慧讀取人類表情和聲音細微差別的技術正試圖進入僅靠數值和邏輯無法捕捉的感覺世界。即使在城市設計中，人們“感到舒適”的空間和流線也植根於身體經驗和感覺以及效率。
Bocchoni的雕塑成為觸摸這種感官未來形象的視覺入口。“有些酷”“有些東西在移動”“有些東西令人擔憂”。這種感覺可能是邁向未來的第一步。
卡拉瓦喬“埋葬耶穌”告訴我們什麽是“人性”?
義大利畫家卡拉瓦喬於1602年至1604年創作的《基督的埋葬》 (Deposizione) 。被稱為巴洛克美術先驅者的他，畫的不是理想化的聖人形象，而是生活在現實中的人的形象。這個城市的人們和窮人成為了模特。比起骯臟的腳、疲憊的表情、神聖，更突出的是生活感。
在這部作品中，耶穌的遺體緊貼地面，死亡的沉重和寒冷從畫面中傳遞出來。光與影的演出就像舞臺的聚光燈一樣突出了感情，對後來的維拉斯開茲和倫勃朗也產生了影響。
卡拉瓦喬本人也經歷了動蕩的生活。打架、逃亡、殺人，在這種激烈的生活狀態中，他創造了一個又一個傑作。巴洛克的傑作《耶穌的埋葬》以其戲劇性的構圖和寫實的表現，引起了將藝術視為權威象徵的拿破崙的關註，但現在該作品被收藏在梵蒂岡藝術博物館。
修復作業中には、キャンバスの裏側からラテン語による謎めいた一文が発見された。「Ne Iacobus videat neque de hoc loquetur（ヤコポがこの作品を見ず、語らぬように）」と記されており、その横には血痕を思わせる長い線が添えられていた。この言葉の意味はいまだ明らかになっておらず、カラヴァッジョにとって極めて重要な意図が込められていた可能性があるとして、研究者たちの間で大きな関心を集めている。
這項工作讓我想起了SNS時代經常被忽視的“人性”。通過觸摸痛苦，悲傷，祈禱等生動的情感，而不是加工的情感，我們可以回歸原始的“人性”。卡拉瓦喬的畫作提出了這樣一個問題。
萊昂納多•達•芬奇的《大西洋手稿》講述創造力的連續性
說到萊昂納多達芬奇是文藝復興時期的大師，以“蒙娜麗莎”而聞名，但這只是他的一個方面。他既是藝術家，又是科學家、技術人員、哲學家，他解剖了人體結構，還繪制了飛機和機械人的設計圖。“Atlantico手稿” (Codice Atlantico) 包含了他40年的想法。
在這份手稿中，列出了當時技術無法實現的未來概唸。達芬奇繼續思考“如何制造尚不存在的東西”。這種態度與我們面對人工智慧，機械人技術，可持續技術等現代問題的方式重疊。
《大西洋手稿》的魅力在於藝術、科學、哲學、技術交叉的橫向思維。最重要的是，這份手稿並不是一件完整的作品，它具有深刻的意義，因為思考的過程仍然存在。對於達芬奇來說，創造不僅要回答，還要繼續提問。
未来は、技術だけでなく、人間の感性と創造力、そして過去からの学びによって形づくられる。だからこそ、500年前のこの手稿が今、万博で展示されたことには大きな意味がある。それは、「未来はすでに誰かが考え始めていた」という証しであり、「今の私たちも、その続きを描いている」という気づきを与えてくれる。
夢幻的米開朗基羅作品《復活的基督》和未完成的美
義大利館中特別值得一提的是米開朗基羅的雕刻《復活的基督》 (Il Cristo Risorto) 。這是一件有價值的作品，通常不為人所知，通常靜靜地放在羅馬附近的教堂裡。
這座雕像於1514年開始制作，但追求完美的米開朗基羅在基督臉上出現黑色條紋後停止了制作。之後，據說Jean Lorenzo Bernini進行了修改，據說這是兩位大師的“間接合作”。
《復活的基督》是一部象徵痛苦和救贖的作品，同時，“未完成”的狀態本身就是創作的一部分。在以完成為目標的過程中停止的樣子，反而具有提出問題的力量。
正因為是人工智慧可以批量生產精密造型的時代，米開朗基羅的作品才會問我們。“什麽是美?”“什麽是創造?”。如果有意義不完整，它可能表明繼續思考的價值。
站在這座雕像前，我們面對的不僅僅是欣賞，而是創造的本質。
對於那些一直在問的人
在大阪和關西世博會上，義大利館受到關註，因為它不僅僅是一個欣賞藝術的地方。“什麽是完成”“什麽是創造”，這些根本性的問題貫穿於整個展覽之中。
展示的不僅僅是完成的美麗。制作中途停止的雕像，站在不同文化交叉點的肖像，預見未來的手稿，以及接近人類本質的繪畫。每一件作品都會動搖我們的思想，影響我們的敏感性。
創造這些藝術和發明的是曾經是無名年輕人的偉人。他們用自己的雙手描繪世界，塑造未來。這條軌跡以“你也能做到”的信息傳遞給生活在當下的我們。
創造未來的力量不屬於任何特殊的人。這是一種在任何人身上睡覺的可能性，也是一個問題。這種意識可能是展覽邊緣的另一個主題。藝術是思考未來的入口。然後，你會畫出什麽樣的風景?這取決於我們每個人的選擇。
